Mentre i suoi contemporanei si affannavano a immortalare la frenesia e la verticalità imponente della New York del dopoguerra, Saul Leiter percorreva una strada completamente diversa, quasi nascosta. Dove altri puntavano all’epica urbana, Leiter cercava la poesia nei dettagli minimi e nei gesti fugaci. Il suo sguardo trasformava il quotidiano in lirismo visivo: il vapore che sale dai tombini, gli ombrelli sotto la pioggia, le ombre che si confondono con i riflessi sulle vetrine. Un realismo fiabesco fatto di margini, di sguardi rubati, di forme che sfumano nell’astrazione. Più che osservare, Leiter sbirciava la città – e da questa visione laterale nasceva la sua fotografia.
La curatrice Anne Morin coglie bene il senso del suo approccio: “Leiter si divertiva con ciò che vedeva. Non era interessato al carattere egemonico di New York o alla sua mostruosa modernità. Inventava giochi ottici, intrecci di forme e piani che nascondono e rivelano ciò che giace negli intervalli, nelle vicinanze, nei margini invisibili.” Non c’era intento documentaristico nella sua opera, ma piuttosto una volontà di creare “haiku fotografici”: frammenti di realtà che toccano l’astratto, che non raccontano ma suggeriscono, che non descrivono ma evocano.
Leiter portava con sé una sensibilità pittorica che influenzò profondamente il suo linguaggio fotografico. Pittore di formazione, trattava ogni fotogramma come se fosse una tela, applicando alla fotografia a colori – ancora poco esplorata negli anni Cinquanta – una raffinata ricerca compositiva. Il colore per lui non era decorazione, ma struttura. E ogni immagine si costruiva sull’equilibrio delicato tra luce, materia, distanza e dettaglio.
“Non ho una filosofia. Ho una macchina fotografica”, diceva con semplicità disarmante. “Guardo attraverso la macchina fotografica e scatto foto. Le mie fotografie sono la minima parte di ciò che vedo che potrebbe essere fotografato. Sono frammenti di possibilità infinite.” In questa dichiarazione c’è tutta la poetica anti-retorica di Leiter, la sua capacità di scoprire la bellezza nell’ordinario, nei vuoti, nelle attese. Un’estetica dell’intervallo, della pausa, della delicatezza.
Schivo, lontano dai riflettori, Leiter pubblicò nel corso della sua carriera solo una selezione del suo vastissimo archivio, lasciando la maggior parte delle immagini in negativo, quasi a voler preservare un’intimità profonda con la propria arte. Nel 2018, cinque anni dopo la sua morte, è emersa una parte poco nota della sua produzione: una serie di nudi in bianco e nero, realizzati tra la fine degli anni Quaranta e i primi anni Sessanta, nati dalle collaborazioni con le donne della sua vita. Anche in questi scatti, la sensualità è trattata con la stessa delicatezza dei suoi paesaggi urbani: niente posa, niente artificio, solo naturalezza e silenzio.
Figlio di un noto rabbino, Leiter ruppe con il percorso religioso che la sua famiglia aveva immaginato per lui e si trasferì a New York nel 1946 per dedicarsi alla pittura. Fu l’incontro con figure come Richard Poussette-Dart e W. Eugene Smith a introdurlo nel mondo della fotografia. Dal 1948 iniziò a sperimentare con la macchina fotografica, usando pellicole Kodachrome da 35 mm, ritraendo amici, sconosciuti e dettagli urbani nel suo quartiere dell’East Village.
Negli anni Cinquanta e Sessanta lavorò anche nella moda per riviste come Harper’s Bazaar ed Elle, ma rimase ai margini del mondo mainstream per decenni. Fu solo con la pubblicazione della monografia Early Color nel 2006 che la sua opera ricevette il giusto riconoscimento internazionale, rivelando al mondo un pioniere della fotografia a colori, capace di influenzare generazioni di fotografi.
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