La sua produzione testimonia come il dialogo con la storia dell’arte possa trasformarsi in una pratica generativa e non semplicemente citazionista. Palumbo non si limita a raccogliere l’eredità della Metafisica italiana: la reinventa, la aggiorna e la proietta nel presente, dando forma a una poetica personale in cui il mistero delle cose continua a manifestarsi attraverso la potenza evocativa dell’immagine dove si intrecciano diversi ambiti teorici: la tradizione metafisica italiana, il surrealismo, la dimensione archetipica del mito, la fenomenologia della memoria e le riflessioni contemporanee sul concetto di spazio e tempo nell’immagine.
Il visibile diventa soglia e il reale si trasforma in occasione di accesso a dimensioni ulteriori della conoscenza. Nell’osservare le sue opere, si ha l’impressione di entrare in territori sospesi, geografie interiori nelle quali il tempo sembra essersi fermato e gli oggetti hanno smesso di appartenere esclusivamente al mondo della materia per assumere una qualità simbolica, quasi sacrale. La sua opera si sviluppa a partire dall’eredità della Metafisica italiana, ma ne supera la semplice citazione stilistica per trasformarla in uno strumento di indagine contemporanea. Se infatti la lezione di Giorgio de Chirico costituisce il punto di partenza della sua riflessione, l’approdo è una poetica autonoma, in cui il silenzio metafisico si apre alla narrazione simbolica, alla memoria, al mito e al sogno.
Le opere di Palumbo non raccontano storie nel senso tradizionale del termine. Esse costruiscono piuttosto condizioni percettive. Sono luoghi mentali nei quali lo spettatore è invitato a sostare, nel lasciarsi attraversare da associazioni, ricordi, intuizioni e interrogativi. È una pittura che non offre risposte, ma genera possibilità interpretative. Le sue città silenziose, i mari immobili, i colonnati deserti, le isole sospese, le architetture essenziali e le prospettive rigorosamente calibrate sembrano appartenere ad una geografia riconoscibile e insieme impossibile. Nulla è realmente identificabile, eppure tutto appare stranamente familiare.
Lo spettatore percepisce immediatamente una condizione di spaesamento. Non si tratta però dell’angoscia generata dall’ignoto, bensì di una forma di sospensione contemplativa. È come se ci trovassimo davanti a luoghi che abbiamo già abitato nei sogni o nella memoria, senza riuscire a stabilire quando e dove. La pittura di Palumbo si fonda su una dialettica continua tra presenza e assenza. Le architetture sono presenti ma disabitate. Gli oggetti sono concreti ma privati della loro funzione. I paesaggi appaiono reali ma risultano impossibili da collocare. L’altrove di Palumbo non coincide con un luogo geografico, ma con una condizione dello spirito. È uno spazio interiore nel quale convergono frammenti di memoria, suggestioni archetipiche e immagini provenienti dall’inconscio. Le sue opere diventano mappe simboliche di una dimensione che appartiene simultaneamente all’esperienza individuale ed a quella collettiva.
Nelle sue tele il tempo non è scandito dagli eventi, ma dalle variazioni luminose. Le ombre nette del pomeriggio, i bagliori dorati del tramonto, le fredde illuminazioni notturne non rappresentano semplicemente differenti momenti della giornata; diventano stati emotivi, atmosfere psichiche, condizioni dell’essere. La luce definisce il ritmo del racconto visivo e contribuisce a generare quella sospensione temporale che costituisce uno dei tratti distintivi della sua poetica. Se lo spazio rappresenta il teatro della visione, gli oggetti ne sono i protagonisti. Carte di carta, palloni colorati, giocattoli, statue classiche, lune, cipressi, rocce, imbarcazioni e frammenti architettonici popolano le composizioni come attori di una rappresentazione silenziosa. La loro presenza non risponde a criteri narrativi tradizionali né a esigenze descrittive. Essi esistono come simboli.
